Arta abstracta – Privind la arta abstracta celebra si la artistii sai

Arta abstracta este o miscare de arta nereprezentativa, adesea mentionata ca fiind non-obiectiva. De la inceputul anilor 1900, artistii abstracti au portretizat o realitate mai subiectiva in operele lor de arta, lasand interpretarea si sensul la latitudinea privitorului. Acest lucru s-a indepartat de modul in care arta descrie o portretizare literala a civilizatiei si a lumii naturale.

O introducere in arta abstracta

Cand te gandesti la arta abstracta, apare o intrebare frecventa: „Ce este arta abstracta?”. Este un subiect destul de larg si include o selectie larga de arta abstracta celebru si artisti, dar din nou, ne intrebam: „Ce este cu adevarat arta abstracta ?”. Pentru a raspunde la aceasta intrebare, trebuie sa mentionam picturile rupestre timpurii si arta abstracta mai moderna din anii 1900.

Arta abstracta merge pana la picturile rupestre timpurii, cand lumile naturale si cosmice erau infatisate mai ales ca linii expresive, forme si forme – poate menite sa fie reprezentari literale? Cu toate acestea, se pune intrebarea daca acestea au fost menite sa fie portrete literale sau daca au existat semnificatii simbolice ascunse legate de taramurile spirituale sau metafizice. Alte reprezentari anterioare ale artei abstracte sunt descrise ca forme si forme decorative pe textile sau ceramica in diferite culturi.

Desi arta rupestra poate fi numita ca o forma de reprezentare abstracta datorita naturii sale geometrice si simbolice, se crede ca miscarea mai moderna de arta abstracta a inceput la sfarsitul secolului al XIX-lea si inceputul secolului al XX-lea, cand alte miscari artistice precum impresionismul, postimpresionismul, iar cubismul , pentru a numi cateva, a avut mai multa importanta in lumea artei.

Miscarile artistice de mai sus s-au indepartat radical de modurile traditionale de reprezentare a artei, cum ar fi portretele realiste ale diferitelor aspecte ale vietii si ale naturii. In plus, aceste miscari de arta au schimbat modul in care a fost utilizata media, cum ar fi in pictura si sculptura, inclusiv utilizarea principiilor artistice precum perspectiva si compozitia.

Acestea au fost folosite cu un abandon mai expresiv de catre artistii abstracti, fara a-si face griji cu privire la respectarea regulilor.

Arta de dragul artei

Arta abstracta a devenit o forma de arta expresiva exclusiv pentru placerea artei, iar multe surse de arta indica celebrul citat al filozofului francez Victor Cousin, care spunea: „l’art pour l’art”, adica „arta de dragul artei ” . . Acest slogan inseamna pur si simplu ca arta nu trebuie sa aiba nicio semnificatie externa (politica, sociala sau educationala), in afara de a fi doar arta si de a se bucura ca atare.

Cu toate acestea, termenul implica mult mai mult decat cele de mai sus; face o declaratie indrazneata despre libertatea de exprimare prin arta, semnificatia pe care o transmite dincolo de structurile sociale si politice si modul in care estetica este judecata de altii. A fost un termen adoptat pe scara larga in cadrul modernismului, care se intinde pe o multitudine de miscari si opere de arta moderniste . Un exemplu in acest sens include infama lucrare de arta Fountain (1917) de Marcel Duchamp , care este o toaleta (aleasa de Duchamp insusi) cu „R.Mutt” semnat pe ea in negru.

Fountain este un exemplu al modului in care „arta de dragul artei” este un termen contestat, intrucat artistul a primit respingere considerabila in legatura cu aceasta piesa si critici bazate pe valoarea sa estetica. Cand Duchamp a depus piesa la Societatea pentru Artisti Independenti in 1917, aceasta a fost respinsa deoarece era de natura „imorala”. Acest exemplu pune la indoiala adevarul afirmatiei: Poate fi arta de dragul artei? Multe forme de prezentare a artei abstracte in lumea artei pot fi, de asemenea, privite din aceasta perspectiva.

Un punct important de retinut despre arta abstracta este ca a fost o miscare in diferite miscari artistice. Cu alte cuvinte, a fost o miscare de arta in care reprezentarea literala a unui obiect nu mai era un scop pentru artisti. De exemplu, un portret al unei femei asezate, o natura moarta sau un peisaj. In schimb, obiectul si chiar panza au devenit saturate cu o gama larga de culori, forme, linii, miscari gestuale si stropi de vopsea.

Acest lucru este evident in lucrarile de arta ale binecunoscutului expresionist abstract, Jackson Pollock, care a folosit miscari dinamice precum picurarea si stropirea pentru a aplica vopsea pe panze mari de pe podea. Rezultatele finale au reprezentat multitudine de culori care se amesteca, si nu intr-o ordine sau compozitie aparent predeterminata.

Aceasta forma de arta a fost denumita si pictura de actiune, datorita dinamismului procesului implicat in pictura, deoarece Pollock trebuia sa se miste activ in intreaga panza.

Cum se defineste arta abstracta

Multe surse urmaresc sa defineasca termenul abstract pentru a crea o mai buna intelegere a miscarii artistice in sine. Referindu-ne la sensul cuvantului „abstract”, vom vedea de ce se numeste Arta abstracta. Ca verb, „abstract” inseamna a separa sau a elimina, iar ca adjectiv, termenul se refera la conceptul de a nu fi bazat in fapt, ci de a fi mai teoretic si „deconectat” de ceva.

Acest lucru poate fi privit in ceea ce priveste subiectul unui tablou, vopseaua in sine si combinatia de linii, forme si culori, care par foarte indepartate de subiect. Daca ceva, aceste elemente devin subiectul. In mod similar, arta abstracta poate parea de asemenea disociata de realitate, ilustrand elementele fundamentale ale modului in care culorile si formele interactioneaza intre ele pe o panza.

Cine a fost primul artist abstract?

Multe surse de arta si istorie indica pictorul rus Wassily Kandinsky ca primul artist care a creat picturi abstracte, in special incepand cu piesa sa Untitled (First Abstract Watercolor) in 1910. El a fost pionier in arta abstracta concentrandu-se pe relatia dintre forme si culori si modul in care acestea compune piese de arta. La randul lor, acestea au fost bucurate si experimentate de spectator.

Kandinsky a apreciat spiritualul in arta, picturile sale abstracte descriu natura interioara „transcendentala” a existentei, care a devenit foarte indepartata de referintele vizuale ale obiectelor de zi cu zi si ale vietii pe care le cunoastem cu totii. El a exprimat aceste adevaruri interioare prin forme plutitoare, forme amorfe si liniaritate aleatorie din linii si margini care se intersecteaza.

Cel mai important, Kandinsky credea si in importanta muzicii si in modul in care aceasta a afectat arta.

El a compus Arta abstracta conform principiilor muzicale ale modului in care un muzician ar produce sunetul. In schimb, a folosit culori si forme pentru a-si duce spectatorii intr-o experienta senzoriala dincolo de fizic, in dimensiunile non-obiective si nereprezentationale ale artei.

Publicatia teoretica importanta a lui Kandinsky, Concerning the Spiritual in Art (1911), ofera o privire in profunzime asupra calitatilor spirituale ale artei si asupra modului in care artistul joaca un rol important ca cineva spiritual. Publicatia exploreaza in continuare spiritualitatea inerenta culorii, inclusiv aspectele psihologice ale culorii si modul in care este utilizata. Acest lucru a fost mai ales in ceea ce priveste modul in care se leaga de forma si compozitie, despre care Kandinsky le credea a fi cele „doua arme” de care dispune un tablou.

Kandinsky discuta, de asemenea, despre modul in care muzica este „cel mai bun profesor” prin faptul ca a obtinut o expresie non-obiectiva de-a lungul veacurilor, in loc sa reproduca lumea din jurul ei, asa cum o face pictura. Atitudinea lui este ca muzica este inaintea picturii in acest sens, deoarece nu se bazeaza pe o calitate exterioara pentru a-i determina „forma”. El afirma, de asemenea, ca pictura are un avantaj fata de muzica, prin faptul ca nu se bazeaza pe timp pentru a se prezenta – intreaga compozitie poate fi vizualizata „la un moment dat”.

Arta abstracta de-a lungul miscarilor artistice

Kandinsky a cautat in mod intentionat sa creeze Arta abstracta si a pus bazele pentru ca alti artisti sa faca acelasi lucru. El a eliminat asteptarile conform carora arta trebuie sa fie o reprezentare directa a vietii si a obiectelor si a subliniat o noua libertate a artistilor de a fi deschisi sa experimenteze cu diferite medii si forme. Aceasta arta va fi informata de lumea lor interioara si nu de lumea exterioara. Desi abstractia in arta exista de secole, intentia intentionata de a o aplica in arta devenea realizata.

Alte miscari de arta au inceput sa foloseasca tehnici diferite pentru a auzi acea chemare interioara in interiorul lor si a o impartasi lumii. De exemplu, miscarile artistice precum fauvismul (un grup de artisti francezi numit Fauves , care inseamna „fiare salbatice”) au inceput sa exploreze culorile indepartate din modul in care apar pe obiecte naturale sau erau reprezentate de acestea.

Cu alte cuvinte, culorile aveau o semnificatie independenta si reprezentau o modalitate de a reprezenta lumile interioare, emotive ale artistului.

Lumea interioara emotionala a fost in centrul fauvismului, iar utilizarea de culori si forme bogate a dat tonul pentru alte miscari artistice care urmau. Henri Matisse a fost in fruntea fauvismului, inspirand alti artisti sa exploreze in mod similar utilizarea culorilor si modul in care acestea influenteaza formele si aspectele spatiale de pe o panza.

O alta miscare de arta care merita mentionata este cubismul. Artistii din cadrul acestei miscari au creat forme geometrice de arta abstracta care au fost „fracturate” si puteau fi privite din mai multe unghiuri. Artistii au amestecat, de asemenea, prim-planul si fundalul, iar figurile au devenit reprezentari cubice intr-o compozitie. Cubismul a fost aproape o reactie opusa regulilor de perspectiva si compozitie evidente din perioada artei renascentiste .

Un artist binecunoscut din cubism a fost Pablo Picasso , nascut in Spania , a carui arta abstracta a descris indepartarea mentionata mai sus de regulile traditionale ale Renasterii. De asemenea, a creat colaje, amestecand diferite medii pentru a reprezenta ideile sale despre arta si despre lume. El a spus: „pictez obiectele asa cum le gandesc, nu asa cum le vad”, ceea ce subliniaza si mai mult eliminarea de la portretizarea artei ca o reprezentare directa a lumii exterioare.

O miscare artistica importanta care a condus la dezvoltarea artei abstracte a fost expresionismul abstract. A inceput la New York la inceputul si mijlocul anilor 1900. Artistii au fost influentati de aspectele politice si sociale ale vremii, in special de Marea Depresiune. Multi artisti din Europa au emigrat si ei la New York si si-au impartasit teoriile artistice artistilor americani.

Hans Hofmann a fost o figura notabila in aceasta perioada ca artist si teoretician. A fost expus unor artisti importanti din cubism si fauvism si a predat principiile acestor artisti si miscari. El este considerat si un stramos, ca sa spunem asa, al Modernismului. Multi artisti americani au vrut sa-si creeze propria arta americana pe baza experientelor lor, in loc sa aprofundeze prea adanc in arta europeana, care se baza pe experiente europene.

Concepte importante ale artei abstracte

Mai jos, discutam despre tehnicile si conceptele artistice importante legate de Arta abstracta, in special legate de concentrarea asupra modului nereprezentativ de portretizare a artei versus stilul traditional (identic cu natura). In plus, ne uitam la tehnicile inovatoare folosite pentru a descrie expresiile si emotiile interioare ale artistilor, precum si utilizarea acestora a diverselor medii.

Tehnica de picurare

Tehnica prin picurare a devenit un mod popular de aplicare a vopselei pe o panza si a fost raspandita in special in perioada expresionismului abstract. Acest lucru se datoreaza faptului ca tehnica a fost expusa de Jackson Pollock, care a folosit-o pe panzele sale mari asezate pe podea. Aceasta tehnica a fost, de asemenea, pionier in pictura de actiune, in care artistul foloseste miscari dinamice in jurul unei panze pentru a o crea. Aceasta abordare este complet diferita de metodele traditionale de sevalet si panza cu pensule, deoarece vopseaua ar fi picurata sau imprastiata pe panza nu numai de perii, ci si de betisoare si tigari (ca in cazul lui Jackson Pollock).

Schimbari de perspectiva

Artistii abstracti ar submina utilizarea formala a perspectivei si a principiilor profunzimii intr-o pictura, infatisand forme geometrice abstracte de arta si forme intr-o compozitie, impreuna cu culori non-locale. Acest lucru a creat scene mai incarcate emotional care ar duce la interpretari dincolo de ceea ce se stie a fi real. Picturile abstracte ar fi adesea exceptional de mari si forteaza privitorii sa intre in spatiul sau si sa se angajeze cu el, evocand in cele din urma emotii intense pe tot parcursul procesului.

Acest lucru a fost valabil pentru picturile lui Mark Rothko. El a scris chiar despre tipul de logodna si interpretare a artei sale, spunand: „Imi dau seama ca, din punct de vedere istoric, functia de a picta tablouri mari este ceva foarte grandios si pompos. Motivul pentru care le pictez insa… este tocmai pentru ca vreau sa fiu intim si uman”.

Nereprezentativ

Infatisarea nereprezentatiei a fost o caracteristica cheie a artei abstracte si, asa cum am mentionat mai sus, scopul principal al unui artist abstract ar fi sa refuze sa infatiseze viata si multitudinea ei de scene si peisaje asa cum a fost vazuta direct. Cu alte cuvinte, artistii nu au cautat sa reprezinte lumea exterioara asa cum era atat de larg acceptat si asteptat in timpul miscarilor artistice anterioare. Cand artistii descriu lumea exterioara, acest lucru se face cu o libertate de exprimare interioara. Accentul s-a pus mai mult pe conceptele figurative decat pe semnificatiile literale.

Forme, linii, forme si texturi

Cand ne uitam la Arta abstracta, vom observa cum diverse forme, linii si forme alcatuiesc compozitiile. Acestea au fost instrumentele vizuale dominante folosite pentru a crea picturi abstracte, evidente in majoritatea operelor de arta ale artistilor abstracti. Exemplele includ Clyfford Still, care a produs opere de arta cu forme puternice orizontale si verticale. Un alt artist a fost Joan Miro , ale carui lucrari de arta descriu forme si linii amorfe, aparent plutind intr-un spatiu de pe panza.

Picturi de camp de culoare si culoare

Pe langa utilizarea formelor si a formelor, culoarea a devenit un instrument vizual si un limbaj important cu arta abstracta. De la miscarile europene anterioare, cum ar fi fauvismul , culoarea a fost folosita pentru a descrie non-literalul, inclusiv experienta estetica pe care o evoca. Multi artisti abstracti au studiat si aspectele psihologice ale culorii, si anume Wassily Kandinsky. Miscarea Color Field a aparut in anii 1940 si 1950, cand artistii foloseau zone mari de culoare, adesea cu o paleta monocromatica.

Arta abstracta geometrica

Arta abstracta este diversa, cu multe fatete – unii teoreticieni au impartit-o chiar in Arta abstracta geometrica, care descrie forme si forme fara legatura cu lumea naturala si structurile fundamentale care creeaza forma, si anume liniile. Vedem acest stil in miscarea cubista si mai tarziu in lucrari ale unor artisti precum Compozitia cu mare plan rosu, galben, negru, gri si albastru (1921) a lui Piet Mondrian si Arta optica a lui Victor Vasarely .

Unii artisti s-ar baza in continuare pe calcul si planificare in timp ce isi creeaza lucrarile, dar nu toti. De exemplu, Piet Mondrian a creat un „ritm vizual” prin grilele sale asimetrice si nu a intentionat sa calculeze. El a spus intr-o scrisoare catre HP Bremmer, un artist, profesor si critic olandez:

„Cred ca este posibil ca, prin linii orizontale si verticale construite cu constientizare, dar nu cu calcul, conduse de intuitie inalta si aduse la armonie si ritm, aceste forme de baza de frumusete – completate daca este necesar de alte linii directe sau curbe – sa poata deveni o opera de arta, pe cat de puternica este adevarata.”

Spiritualitate si muzica in arta abstracta

Multi artisti precum Wassily Kandinsky si Piet Mondrian au crezut in calitatile spirituale subiacente ale artei si au vrut sa le infatiseze in operele lor de arta. Muzica a avut, de asemenea, o influenta puternica, in special pentru Wassily Kandinsky. Revenirea la aspectele metafizice ale existentei a permis artistilor abstracti sa exploreze un sens mai profund in subiectul lor.

Artisti abstracti renumiti

Mai jos, ne uitam la cativa artisti abstracti remarcabili care nu numai ca au fost pionier in arta abstracta, dar au deschis calea pentru multi artisti in timpul dezvoltarii acesteia. Ne uitam la artistii abstracti si operele lor de arta din diferite miscari artistice. Vom identifica, de asemenea, ceea ce au impartasit majoritatea artistilor, care producea arta indepartata de reprezentarile traditionale ale vietii si naturii, concentrandu-ne mai mult pe natura expresiva a sinelui.

Vasili Kandinsky (1866 – 1944)

Vasili Kandinsky a fost un pictor si teoretician rus. A studiat arta in timpul scolii la Scoala de Arta Grekov Odessa si a continuat sa studieze dreptul si economia la Universitatea din Moscova. In copilarie, a invatat si sa cante la violoncel si pian si a fost sprijinit de tatal sau in explorarea talentelor sale artistice, deoarece a afisat o conexiune si un raspuns unic la sunete, culori si cuvinte, care mai tarziu s-au dovedit a informa. abilitatile sale artistice.

Unele dintre operele de arta populare ale lui Kandinsky includ  Der Blaue Reiter („Calaretul albastru”, 1903), infatisand un calaret pe un cal. Cu toate acestea, aici Kandinsky foloseste culoarea pentru a crea un contrast de lumina si intuneric. Acest tablou este una dintre lucrarile anterioare ale lui Kandinsky si arata modul in care stilul impresionismului i-a influentat pensula si utilizarea culorilor. De asemenea, este clar ca se indeparteaza de modurile traditionale de portretizare estetica in arta si creeaza arta care in cele din urma va simboliza credinta sa in spiritual.

Der Blaue Berg („Muntele Albastru”, 1908) infatiseaza calareti pe cai inconjurati de doi copaci mari de fiecare parte a compozitiei si un munte albastru in mijloc. Folosirea de catre Kandinsky a culorii nu este fidela aspectului natural al modului in care apar aceste aspecte in viata reala si el foloseste pensule expresive si contururi intunecate. Putem observa si influenta fauvismului datorita acestei utilizari a culorilor si a pensulei expresive.

Pe masura ce Kandinsky s-a dezvoltat in arta si credintele sale spirituale, a inceput sa picteze lucrari mai abstracte, cum ar fi populara sa Compozitie IV (1911). In timp ce aceasta piesa este abstractizata, la o inspectie mai atenta vedem diverse imagini identificabile, cum ar fi cazacii care poarta lanci, barci, un castel si figuri in pozitie inclinata. Aceste figuri sunt toate portretizate cu un simbolism non-obiectiv.

Le vedem aplicate la multe alte opere de arta ale lui Kandinsky, cum ar fi in  Compozitia VII (1913), Moscova I (Piata Rosie) (1916) si Compozitia VIII  (1913), printre altele. Aceste picturi abstracte descriu esenta spirituala a ceea ce Kandinsky a cautat sa infatiseze din subiect. Compozitia de culori, linii si forme, toate interactionand unele cu altele, devine limbajul vizual. Desi picturile abstracte ale lui Kandinsky par randomizate si realizate la impulsul momentului, exista o intentionalitate si un scop pentru ele.

Pentru Compozitia VII (1913), artistul a planificat si a produs aproximativ 30 de schite inainte de a o picta. Pare aproape de rau augur in portretizarea sa, cu o ocupatie din diferitele forme, linii si forme care se intersecteaza si se interactioneaza cu celelalte. Acest lucru este cuplat cu culori bogate, cum ar fi negru, albastru inchis si rosu, toate combinate pentru a crea noi culori de verde, albastru si mustar. De asemenea, se spune ca aceasta lucrare infatiseaza naratiuni din Biblie, de exemplu, Invierea si Gradina Edenului.

Hans Hofmann (1880 – 1966)

Hans Hofmann s-a nascut in Germania si a emigrat in America in 1932. A dat dovada de un mare talent in diverse domenii precum arta, stiinta si muzica. In adolescenta, a lucrat pentru directorul lucrarilor publice din Bavaria si a brevetat numeroase inventii stiintifice. Cand avea 18 ani, a ales sa-si continue studiile in arta la scoala de arta a lui Moritz Heymann din Munchen. A lucrat ca artist la Paris pana in 1914, cand s-a intors la Munchen si a inceput o scoala de arta.

Scoala de arta a lui Hofmann a castigat recunoastere in comunitatea artistica si a inceput sa calatoreasca in Statele Unite, unde s-a mutat in cele din urma ca urmare a razboiului din Europa. A predat la Art Students League din New York si, in 1933, a deschis si o alta scoala de arta sub numele sau, Hans Hofmann School of Fine Arts. In 1935 a inceput o scoala de vara in Provincetown, Massachusetts. A doua sa expozitie personala a avut loc la Peggy Guggenheim’s Art of This Century Gallery in 1944, prima sa expozitie a avut loc in 1910 la Berlin.

Printre operele de arta populare ale lui Hofmann se numara Vantul (c. 1944) si Efervescence (1944), care descrie tehnica de picurare. In mod similar, si Jackson Pollock a folosit aceasta tehnica si exista o dezbatere cu privire la cine a inceput sa foloseasca prima tehnica. Cu toate acestea, se crede ca ambii artisti s-au inspirat din operele de arta ale lui Andre Masson, care au avut radacini in imagini care au explorat aspecte subconstiente, suprareale.

Lucrarile de mai sus ale lui Hofmann au explorat o realitate abstracta completa pe panza, cu zone mari de culoare stropite si imprastiate in jurul panzei.

Alte lucrari ale lui Hofmann includ Pompeii (1959), care infatiseaza zone mari, patrate de vopsea, care umplu panza in nuante mai inchise de rosu, albastru, roz si alb amestecat cu albastru, creand un contrast mai deschis. Fundalul este complet rosu, sugerand utilizarea sau eliminarea perspectivei spatiale. Acestea au fost adesea denumite picturi pe placi, indicand utilizarea dreptunghiurilor si patratelor in forma dreptunghiulara a panzei.

Mark Rothko (1903 – 1970)

Mark Rothko a fost un expresionist abstract american care s-a nascut in Letonia, dar a emigrat in Statele Unite cu familia in 1913. A fost inspirat sa-si inceapa cariera de artist cand a vazut un student schitand un model la Art Students League of New. York. Dupa aceasta, s-a alaturat Scolii de Design Parsons ca student si a studiat sub instructori precum Arshile Gorky, pictor si expresionist abstract . De asemenea, a studiat sub cubistul Max Weber la Art Students League.

Rothko a lucrat in Garment District din New York, unde a inceput in 1923, si a facut cunostinta cu artisti cunoscuti si lucrarile acestora. De asemenea, a inceput sa dea lectii de arta pentru copii la Center Academy of the Brooklyn Jewish Center. Rothko a fost puternic influentat de opera lui Milton Clark Avery, un pictor abstract si modern, adesea denumit „Americanul Matisse” datorita utilizarii culorilor.

Operele de arta lui Rothko au evoluat de-a lungul vietii sale de la portrete impresioniste ale vietii si scenelor urbane la picturi abstracte inspirate de mitologie. El a fost, de asemenea, influentat de efectele celui de-al Doilea Razboi Mondial si a explorat ideea de tragedie prin publicatii precum Nasterea tragediei de Nietzsche si scriitori greci de tragedie precum Eschil. Imersiunea sa in aceste subiecte l-a determinat sa creeze o arta mai abstracta care a atins lumea interioara in loc sa reprezinte exteriorul.

Oedip (1944) este un exemplu de opera de arta a lui Rothko cu o tema mitologica, infatisand un amestec unic de figuri asemanatoare omului. Este inspirat din povestea lui Oedip si din psihologia naratiunilor precum mandria, pasiunea si incurcarea si interconectarea pe care le impartasim cu totii ca oameni. Exista mai multe figuri in aceasta compozitie care apar dezmembrate si rememorate in diferite zone. Fundalul sugereaza un interior decorat si, eventual, un scaun sau un soclu pe care sunt figurile.

Operele de arta ulterioare ale lui Rothko includ popularele sale sectiuni dreptunghiulare mari de vopsea solida si culoare. De exemplu, Orange , Red, Yellow (1961), dupa cum sugereaza titlul, este compus din trei dimensiuni diferite de culori dreptunghiulare de galben si portocaliu pe un fundal rosu. Fiecare forma dreptunghiulara aproape se revarsa in fundalul rosu, fara o margine de solidificare in jurul ei. Rothko si-a aplicat vopseaua in straturi subtiri, ceea ce i-a dat si elementul de a arata mai stralucitor in nuanta.

Alte lucrari similare includ Untitled, Black on Gray (1969), care infatiseaza doua forme dreptunghiulare pe panza. Sectiunea de sus este neagra, cu cea de jos in gri si acestea au fost pictate pe panza alba fara amorsare, ceea ce Rothko ar face de obicei.

Acest tablou pare mai sever in utilizarea culorii si evoca sentimente mai profunde de tristete si posibil chiar moarte. Interpretarile acestei piese au fost atasate imaginilor lunare, precum si fotografiilor de noapte.

Jackson Pollock (1912 – 1956)

Jackson Pollock este unul dintre artistii cunoscuti din miscarea artistica americana, expresionismul abstract. Pollock s-a nascut in Wyoming, dar a crescut in cateva orase din California. In anii 1930, s-a mutat la New York impreuna cu fratele sau, Charles Pollock, care era si pictor abstract . Ambii frati au studiat la Art Students League sub Thomas Hart Benton, care a facut parte din miscarea Regionalist Art.

Pollock s-a inspirat din operele de arta ale muralistilor mexicani si i s-a aratat cum sa foloseasca vopseaua lichida la un atelier din New York de catre David Alfaro Siqueiros, un muralist mexican. De aici, el a incorporat tehnica turnarii vopselei pe panzele sale , care s-a dezvoltat in tehnica sa de picurare.

Pollock a produs diverse lucrari de arta importante in anii 1940, dar merita remarcat unele dintre picturile sale anterioare, inainte ca picturile sale de picurare sa devina punctul culminant al carierei sale de pictura. Going West (1934-35) este o lucrare figurativa realizata in vopsea in ulei . Infatiseaza o familie care se muta spre vest cu caii si trasurile lor. Exista diferite semnificatii atasate acestei opere de arta, una fiind aceea ca Pollock s-a inspirat din amintiri cand s-a mutat in vest (Arizona in California) cu familia sa si ca a fost dintr-o fotografie a unui pod din Wyoming.

Going West  pare intunecat la culoare cu pensula care este mai fluida si involburata in tehnica sa. Acesta este un stil de pictura diferit fata de lucrarile ulterioare ale lui Pollock, indicand, de asemenea, abilitatea sa ca artist de a transmite diferite naratiuni cu vopsea si pensula.

Aceasta lucrare aminteste, de asemenea, de stilurile lui Van Gogh si El Greco, care au reprezentat si vartejuri de vopsea, creand mai multa intensitate emotionala in cadru.

Mural (1943) este o pictura timpurie prin picurare de Pollock si are o dimensiune de 8 x 20 picioare. Pollock a inceput sa lucreze la panze mari asezate pe podea si si-a folosit intreg corpul pentru a crea o opera de arta. Acest dinamism si forta de miscare in jurul panzei sale au fost denumite pictura de actiune. Pictura murala a fost influentata de alti artisti populari precum Pablo Picasso, Thomas Hart Benton si pictura pe nisip amerindienilor .

Lucrarea de mai sus a lui Pollock descrie ceea ce par a fi numeroase figuri in miscare in vartejuri de vopsea multicolora. Pensiile par groase si subtiri in zone, ceea ce se adauga si la fluxul dinamic al operei de arta. Arcurile groase de linii negre ies in evidenta printre culorile mai pastelate de galben , roz si albastru. Aceasta lucrare a fost comandata de Peggy Guggenheim.

O alta pictura faimoasa de Pollock este Autumn Rhythm: Number 30 (1950), de asemenea, una dintre lucrarile de arta care au facut parte din expozitia personala a lui Pollock, care a castigat o atentie pozitiva a presei. Pollock a inceput aceasta lucrare cu un amestec diluat de vopsea neagra pe toata suprafata orizontala a panzei. Peste aceasta, el a incorporat un amestec de diferite culori discrete, cum ar fi negru, alb si tonuri de bej si maro . Vopseaua este presarata peste panza in picaturi subtiri si groase de vopsea, fiecare urmand propriul drum de-a lungul panzei, intersectandu-se si topindu-se una in alta. In aceasta pictura, culorile si fluxul dinamic au o senzatie de toamna si un ritm, asa cum este descris atat de bine in titlu.

Desi au existat multi artisti abstracti foarte cunoscuti (din diferite miscari artistice) care si-au creat propria „branda” unica de arta abstracta, cele de mai sus exploreaza cateva nume populare pe care le-am cunoscut cu totii datorita perspectivelor lor de pionierat, inovatoare si imaginare. care a deschis calea pentru alti artisti.

Moartea (si viata) artei abstracte

Desi unele surse afirma ca Arta abstracta a fost „declarata moarta” cu aproape 40 de ani in urma, nu este in intregime adevarata. Arta abstracta inca traieste pana in secolul 21 si este posibil sa fi atins apogeul aproape de sfarsitul expresionismului abstract. In aceasta perioada, minimalismul a devenit miscarea de arta dominanta, cu un grup de artisti concentrati mai mult pe elementele utilizate in arta abstracta, cum ar fi formele, liniile, formele si culorile, dar fara ca expresia lor personala sa informeze subiectul operei de arta.

Arta abstracta in secolul 21 este la fel de diversa precum era la inceputul secolului al 19-lea. In prezent, exista sute de artisti abstracti care creeaza picturi, sculpturi si instalatii nereprezentative care depasesc granitele a ceea ce ar trebui sa fie arta si cum ar trebui sa fie utilizata media.

In plus, era digitala a adus cu ea o noua crestere a reprezentarii, precum si a modului in care culorile, formele si simbolurile sunt folosite (proaspat create si imprumutate din vechi) pentru a infatisa nu numai viata, ci si aspectele metafizice, spirituale, si efectele globale ale globalizarii si o lume care este foarte diferita de cea de aproape un secol inainte. Toate aceste elemente vor favoriza, fara indoiala, evolutia artei abstracte cu mult dincolo de secolul XXI.