Pana de curand, Punta della Dogana din Venetia era o cladire abandonata, cu un trecut istoric. In varful Dorsoduro, langa biserica baroca Santa Maria della Salute si peste Canalul Mare de la Piazza San Marco, aceasta casa vamala triunghiulara, care a fost in trecut, datand din secolul al XVII-lea, a constituit o anomalie nedumerita: o cladire extrem de vizibila, dar dezactivata in o localitate primordiala. In mod repetat, planurile de a-i conferi o identitate proaspata s-au retras.

Intra miliardarul francez Francois Pinault, care detinea deja o participatie de 80 la suta in Palazzo Grassi (lunga locatie de expozitie si administrata cel mai recent de Fiat), dar care si-a dorit inca mai mult spatiu si o prezenta mai mare in Venetia pentru colectia sa vasta. In 2007, a concurat cu succes – prevaland asupra fundatiei Guggenheim – pentru privilegiul de a transforma Punta della Dogana intr-un spatiu de ultima generatie pentru arta contemporana. Pentru renovare, Pinault l-a inscris pe Tadao Ando, ​​care lucrase pentru el la Palazzo Grassi. Pardoselile si peretii racorosi, minime, cenusii, din expozitia „pavilion” cu doua etaje a lui Ando sunt in dialog cu caramida expusa si grinzile de lemn ale structurii originale care il inconjoara. Ferestrele mari admit lumina naturala copioasa si permit spectatorilor vederi splendide ale Venetiei. Cladirea restaurata este impresionanta, si cu dublul sau,

Cu o zi inainte de deschiderea oficiala a Bienalei de la Venetia, o expozitie stropita din doua parti a debutat in ambele locatii, cu festivitati ultra-exclusiviste, in forma de stea. Curatata de Alison M. Gingeras si Francesco Bonami, expozitia se numeste „Mapping the Studio: Artists from the Francois Pinault Collection”, titlu imprumutat de la instalarea video a lui Bruce Nauman din 2001 Mapping the Studio 1 (Fat Chance John Cage), in care o banda de supraveghere extrem de verzui, de o ora de sase ore, a studioului neinsufletit al artistei in timpul noptii sugereaza un tediu nesfarsit amestecat cu izbucniri de inspiratie. Nauman, desigur, reprezinta si SUA la Bienala.

Array

O versiune a videoclipului sau nocturn este vizionata la Palazzo Grassi, dar se potriveste titlului lui Nauman pentru expozitia apasatoare de o singura infatisare flagranta: noul copil din blocul care face muzica in venerabila Bienala.

Si titlul respectiv are prea putina legatura cu expozitia propriu-zisa. Curatorii fac o afirmatie absurda umflata in catalogul lor pentru studiou drept „teritoriu sacru”, ca si cum expozitia ar fi cu adevarat despre studiourile artistilor ca locuri de cercetare si perspectiva nestapanite. Acestia afirma cu entuziasm ca curatorii trec „pragul studioului” pentru a acorda, poate, „aprobarea” artistilor – sensibili, creativi si vulnerabili in „teritoriul lor sacru” – care ar putea „beneficia de critici constructive”; „Colectionarul”, din partea sa, devine „cufundat in universul privat al artistului”, activand „o noua dinamica intre dorinta de posesie si trauma deposedarii.” A scrie despre vulnerabilitate si trauma deposedarii in contextul unei colectii care prezinta in mod proeminent atatea superstaruri artistice si comerciale pare destul de intins. De fapt,

Punta della Dogana este, de departe, jumatatea mai buna a expozitiei. Intr-o decizie inspirata, prima lucrare vizibila, panoul de baschet fara balon din sticla de David Hammons cu cercul de cristal (2000), nu este usor vizibila la intrare. Acesta este instalat inalt pe peretele de deasupra intrarii, marginile panoului de bord sunt stranse cu lumini stralucitoare. Amestecand atletismul si fragilitatea, cercul viseaza copii negri urbani (dintre care foarte putini ajung la NBA) si atragatoare de opulenta si bogatie, munca lui Hammons face ca echipamentele atletice familiare si succesul pe care il simbolizeaza sa para dintr-odata atragatoare si precare. Transparenta si sticlele sale sticloase sunt rasunate chiar dincolo, in Untitled (Blood) de Felix Gonzalez-Torres, 1992, o perdea facuta din margele de plastic rosu, care se intinde de la perete la perete si serveste ca un pasaj minunat catre restul expozitiei. Cortina stralucitoare a fost poate mai dificila cand a fost facuta, pentru ca se refera la testele de sange efectuate la vremea respectiva pe iubitul sau, care murise de HIV / SIDA (la care artistul a cedat si el).

Pe cealalta parte, intalnesti o alta lucrare semitranslucenta: Untitled (O suta de spatii) a lui Rachel Whiteread, 1995, constand din 100 de sculpturi din rasina turnata, in diverse culori dezactivate, a spatiilor negative de sub scaune, aranjate intr-o grila de pe podeaua de beton. In apropiere, un cal de taxidermied de Maurizio Cattelan (2007) se arunca de sus pe perete, de parca animalul ar fi fost catapultat acolo mai intai. Trebuie sa admirati angajamentul aratos al lui Pinault: multe dintre lucrarile din colectie sunt indraznete si au fost in mod clar dobandite cu un muzeu in minte, mai degraba decat cu o casa privata. Cu o pictura in gluma de Richard Prince pe un perete (2007) si o viata vie de fructe cu un ulcior de apa de Luc Tuymans peste drum (2002), lucrarile din aceasta sala arata minunat, interactioneaza dinamic cu texturile si culorile. a peretilor de caramida si comparati favorabil cu lucrarile contemporane expuse oriunde in Venetia.

Vorbind despre un angajament apasator, expozitia prezinta o camera mare, intunecata, plina de setul complet Kandors al lui Mike Kelley(2005-09): 21 peisaje orase stralucitoare fantastice realizate din rasina de uretan diferit vopsita, impreuna cu sticle mari din Pyrex colorate manual, toate asezate pe plinte negre. Referindu-se la locul de nastere al lui Superman, Kandor, pe planeta distrusa Krypton, sculpturile sugereaza utopii de neatins si un dor de un trecut pierdut iremediabil. In timp ce multi colectionari ar ravni unul sau doua dintre sculpturile lui Kelley, putini ar avea mijloacele pentru a achizitiona intregul kit si caboodle, iar spatiul pentru a-l afisa ca o singura instalatie spectaculoasa. Pinault, un Medici contemporan, a comandat, de asemenea, turnarea lui Charles Ray din otel inoxidabil si acrilic (imita marmura), o sculptura de 8 metri inaltime a unui baiat nud care agata o broasca, care se afla in afara muzeului de la marginea apei. Baiat cu broasca(2009) este o abordare moderna a unor astfel de sculpturi renascentiste italiene precum David al lui Donatello , dar este in special americana, sugerand Tom Sawyer sau Huck Finn. Ganditor, capricios, vulnerabil si trist, baiatul are comoara lui, dar este o simpla broasca, nu capul taiat desprins de Goliath. O adeziune coeziune la expozitie, nu se spune ce veti gasi in timp ce va deplasati din camera in camera. Aici exista picturi abstracte delicioase, argintii (2008) ale lui Rudolf Stingel, care arata grozav intr-una dintre camerele de beton usor stralucitoare ale lui Ando. Deasupra sunt cunoscute sculpturi anime (1998) ale lui Takashi Murakami, ale unui tanar care ejaculeaza intr-un arc larg, asemanator unui lasso, si al unei femei tinere, care starneste lapte din sanii ei balonati. Intr-o alta camera atarna Incoronarea lui Ses Twis din Cy Twombly(2000), o pictura din 10 panouri care combina abstractizarea, indicii de reprezentare si texte zguduite. In afara de faptul ca acestia sunt artisti a caror opera favorizeaza Pinault, exact ceea ce meditatia subtila a lui Twombly despre dor si pierdere, eroziune si mortalitate, are de-a face cu Stingel sau Murakami este o presupunere a oricui. Cu aluziile mitice si ambitiile sale istorice, cu toate acestea, tabloul lui Twombly face legatura cu Jake si Dinos Chapman, care umplu cutii mari de sticla si lemn cu figuri minuscule care comit acte de violenta oribila in peisaje intunecate evocand Infernul lui Dante ( fututul iadului , 2008). (Aceasta lucrare este o re-creare si extindere a Hell , 1999, care s-a pierdut in dezastruosul incendiu al depozitului Momart din 2004, la Londra.)

Cu nume atat de mari, faima este cu siguranta un principiu operativ – care solicita un pic de matematica. Dintre cei 58 de artisti din ambele parti ale expozitiei, 25 sunt din Statele Unite, in ciuda mandriei expozitiei de a depasi „frontierele nationale”. Conform standardelor acestui spectacol (care reflecta din nou piata), acesta este un moment dat pentru arta americana. Majoritatea artistilor ramasi sunt nume mari din Europa de Vest. In rarele cazuri, expozitia se deplaseaza mai departe, de exemplu in Polonia (Wilhelm Sasnal si Piotr Uklanski, desi Uklanski se califica ca New Yorker), Japonia (Murakami, Yayoi Kusama si Hiroshi Sugimoto), Islanda (Erro, cu sediul in Paris pentru varste), China (Huang Yong Ping) sau Africa (sud-africanul Marlene Dumas, cu sediul in Amsterdam si New York, Algerian Adel Abdessemed), este aproape intotdeauna cu artisti care se bucura deja de aclamari internationale substantiale. In mod surprinzator, desi probabil, probabil, exista 50 de barbati in expozitie si opt femei. Este probabil ca cea mai mare dezvoltare in arta contemporana din ultimii 30 sau 40 de ani a fost cresterea la nivel mondial a femeilor artisti, dar aici nu ai sti-o niciodata. Exista, de asemenea, doar doi artisti negri (ambii barbati) si un hispan (un barbat decedat). Se pare ca „teritoriul sacru” este mult mai sacru pentru unii decat pentru altii. Exista, de asemenea, doar doi artisti negri (ambii barbati) si un hispan (un barbat decedat). Se pare ca „teritoriul sacru” este mult mai sacru pentru unii decat pentru altii. Exista, de asemenea, doar doi artisti negri (ambii barbati) si un hispan (un barbat decedat). Se pare ca „teritoriul sacru” este mult mai sacru pentru unii decat pentru altii.

La Palazzo Grassi, judecata curatoriala se descompune intr-adevar intr-o mishmash uneori uimitoare de lucrari. Cea mai mare si cea mai vizibila instalatie se afla in hol: Untitled (Dancing Nazis), 2008, de Uklanski (care se intampla sa fie sotul curatorului Gingeras), o podea disco cu lumini colorate si muzica pulsanta. Formand o grila de pe perete se gasesc 200 de imprimeuri cu jet de cerneala de fotografii ale unor actori de la Hollywood care joaca nazisti si soldati germani din al doilea razboi mondial. Mixul ironic al lui Uklanski de nazisti si discoteca, violenta si divertisment, se numara printre rarele incursiuni ale expozitiei in cadrul politicului. Celebrele sloganuri ale lui Barbara Kruger in doua tablouri, „Pentru a cumpara sau nu a cumpara” si „Cumpar prin urmare sunt,” sunt deosebit de apte si hilar, in contextul unei colectii construite din profiturile din gentile Gucci, hainele Yves Saint Laurent si Licitatiile lui Christie.

Cu atat de putine conexiuni reale intre lucrari, spectacolul de la Palazzo Grassi devine tare si nelinistit. Exista o selectie inspirata de fotografii alb-negru din 1976 ale lui Cindy Sherman, in care apare artistul intr-o camera goala, care poarta costume de diferite personaje stoc in misterele de crima. Acesta este un moment minunat: lucrari realizate la inceputul unei cariere singulare, care lumineaza eforturile ulterioare ale artistului. Cu toate acestea, rataciti pe tablouri in dungi de Daniel Buren si pe cele florale de Murakami; o excelenta lucrare usoara de Dan Flavin ( Monumentul V pentru Tatlin , 1964); si o sculptura a unui iepuras si urs umplut copulati (1992) de Paul McCarthy.

Ocazional, alegerea in juxtapunerea lucrarilor poate fi deosebit de nefericita. Printre tablourile prezentate de Martin Kippenberger intr-o camera se afla o scena rosiatica a unei cafenele din Paris. In apropiere, un picior barbatesc cu pantaloni, soseta si pantof, de Robert Gober, iese din perete pe podea. In aceasta imperechere, munca enigmatica a lui Gober este subminata: se pare ca un barbat, beat pe vin rosu sau absint, s-ar fi prabusit pe podeaua cafenelei pariziene a lui Kippenberger. Pentru a avea un efect negativ similar, burghiele mari, verticale, realizate din marmura neagra de catre Abdessemed sunt asezate direct in fata unei oglinzi orizontale din perete cu perete cu bare negre verticale prinse de ecran, de Michelangelo Pistoletto. Lucrarile in oglinda artistului vizeaza dezvaluirea atat a spatiului in sine, cat si a privitorului, dar aceasta oglinda nu face nimic de acest fel;

Ambele locuri permit publicului sa experimenteze o gama larga de lucrari provocatoare intr-un moment in care multe muzee se indeparteaza de astfel de afisaje. Distragerea din experienta este focalizarea neobosita a faimelor, celebritatilor si a marcilor. „Maparea galeriei” poate fi un titlu mai potrivit sau poate „Maparea casei de licitatii”. Intr-o epoca nelinistita de schimbare si recesiune, aceasta expozitie pare mai degraba marea finala a unei indepartari indelungate decat un nou inceput definitiv.

GREGORY VOLK este un critic si curator cu sediul in New York si profesor la School of the Arts, Virginia Commonwealth University, Richmond.

„Cartografierea studioului: artisti din colectia Francois Pinault” este vizualizata in Venetia la Punta della Dogana si Palazzo Grassi pana pe 6 iunie 2010.

ARTICOLE SIMILAREDE LA ACELAȘI AUTOR