Istoria artei astazi

Artistii, in ciuda faptului ca erau sub vraja muzei, erau sub presiune sa-si vanda arta pentru a-si castiga viata, cu exceptia cazului in care acestia erau autosuficienti din punct de vedere economic. Pentru a folosi terminologia lui Batschmann, artistul a fost prins intre auto-exprimare si piata. Cu toate acestea, Batschmann analizeaza mai ales situatia de la sfarsitul secolului al XVIII-lea, dar probabil conflictul apare prima data in secolul precedent cu artistul italian Salvator Rosa. Rosa provenea din Napoli si, din cauza lipsei de interes pentru arta sa, a fost obligat sa se indeparteze de Roma, iar dupa aceea, Florenta. Putem intalni, de asemenea, in Rosa primul artist independent determinat sa nu-si jertfeasca viziunea artistica capriciilor patronilor sau presiunilor pietei. Parerea traditionala a Rozei este ca era dispretuitor de mecanismele normale ale hramului, ale curtii si ale bisericii, si a cautat sa se promoveze in afara sferelor normale de productie si receptie artistica. Aceasta opinie sustine ca Rosa este primul artist cu adevarat independent care declara sfidare fata de patroni si organizatii care intentioneaza sa controleze productia studioului Rosa. Recent, o alta interpretare a fost avansata: Rosa – din orice motive – s-a simtit grav marginalizata si a cautat sa-si prezinte munca in speranta ca ar putea atrage privirile patronilor si cumparatorilor; el si-a expus arta in locuri precum claustrele din San Giovanni Decollato, Roma, pentru ca voia sa atraga atentia. [1] Oricare ar fi motivatiile sale, Rosa nu si-a facut viata usoara pentru sine. Injurat de un temperament inflacarat, el a jignit lucrand pentru comisioane, a urat latura comerciala a picturii, a refuzat sa numeasca preturi, si a dorit libertatea de a crea subiecte congeniale pentru el si nu pentru patronii sai.

Array

[2] Cu o ocazie memorabila, el a spus ca si-a lasat creionul sa faca negocieri, un comentariu tipic al lui Rosa.

Desigur, toate acestea ar fi putut fi o pozitie: Rosa promovand imaginea unui artist cu gandire independenta, neinteresat de bani si pictand subiect intelectual, in special filosofii care au renuntat la bogatii. Dar aceste imagini ale filosofilor precum Crates si Diogenes pot fi privite ca figuri ale intelepciunii clasice sau indicii ale propriei atitudini a lui Rosa fata de bani si economie? Stim ca, cu o ocazie, Rosa a facut un desen al lui Pittura (pictura) ca cersetor pe strazile Romei. S-a sugerat ca Pictura ca cersetor ar putea sa nu exprime obiectul taxelor pentru pictori, ci „statutul scazut al picturii la Roma”, asa cum este scris in faimoasa satira a lui Rosa La Pitturaprobabil datand de la inceputul anilor 1650. Cu toate acestea, desenul ar putea fi, de asemenea, legat de o dezbatere intre Rosa si un servitor florentin, in care saracia filosofica pare sa dezlege necesitatea economica. In acest schimb, slujitorul conjureaza o imagine a lui Rosa, mendicantul, care sta la pridvorul uneia dintre Sfintele Biserici, cu staff-ul sau si cutia saraca. Aici, se face o legatura intre cersit si pictura, iar Rosa pare sa transmita cam aceeasi idee in desen, cu exceptia in locul personalului si a cutiei sarace, Pitturaare maulstick, perii si paleta. Un alt desen – la Geneva, arata obiceiul satiric al lui Rosa asupra relatiei dintre pictura si bogatie. In studioul artistului, Pittura inalta un steag la muste care infesteaza panzele lui Rosa, o conceptie ciudata care simbolizeaza neglijarea operei artistului si a geniului sau.

Array

Doi putti reprezentand aspecte ale geniului artistului stau inactivi in fata periilor, sugerand probabil renuntarea temporara a picturii artistului la lipsa de interes pentru arta sa. Rosa a spus odata ca raspuns la lipsa comisioanelor: „La fel de bine as putea sa-mi plantez pensulele in gradina.” Mai tarziu in Anglia, s-ar face o legatura directa intre arte si daruirea de pomana, ca in ilustratia din titlu la catalogul unei expozitii a Societatii Marilor Artisti Britanici.

In The Artist in the Modern World [4] , Batschmann discuta despre Artistul lui Joseph Anton Koch ca Hercules la rascruce(1791). Dupa cum sugereaza titlul, aceasta aminteste conventia iconografica de a arata omul puternic intr-o intersectie in care poate alege directia fie a Vicului, fie a Virtutii, simbolizata prin doua figuri feminine diferite, o pupa in mien si una laxa in dispozitie. In 1791 – cand s-a realizat acest desen – Koch a scapat de Colegiul de Arta din Court din Stuttgart, iar aceasta imagine singulara ar putea fi legata de zborul respectiv. Figura statuara din stanga reprezinta Art-Virtutea si poarta legenda „Imitatio” care o face un var indepartat al Pittura, pe care l-am vazut ultima data cersind pe strazile Romei din secolul al XVII-lea. Cealalta figura, imbracata in imbracaminte vesela, nu a mai putut fi indepartata din familia lui Pittura: ea este „Art the Whore” care se leaga in mod disconcert de Koch cu un lant in jurul gleznei. In plus fata de simbolizarea modului afectat al instantei, aceasta figura, cu grotescul sau, batjocura genul de pregatire pe care artistul a primit-o acolo.

Dupa cum observa Batschmann, desi aceasta imagine poate fi localizata in dezbaterile secolului al XVIII-lea despre virtute, in special Lordul Shaftesbury ale carui idei politice au fost legate cu iconografia lui Hercules la rascruce, aceasta priveste si libertatea artistica. [5] Un artist este liber sa renunte la recompense si bogatii in instanta; dar consecinta este ca se poate gasi pe calea pietroasa a saraciei. Aceasta a fost o miscare curajoasa pentru Koch, deoarece venea din origini umile; a inceput viata ca capra si a progresat la pictura portretelor episcopilor si, in cele din urma, peisaje modelate pe Poussin si Claude. Multi dintre predecesorii lui Koch au calcat pe drumul sigur al patronajului de la curte, care a adus distinctie si succes monetar, precum Titian, a carui perie a fost recuperata de nu mai putin de imparatul Charles V insusi, desi nu exista nicio dovada a acestui eveniment. Presupunand ca Charles a vizitat studioul lui Titian, acest lucru ar indica pictura apreciata de catre cei puternici si influenti si, desigur, bogati. Desi poate fi generalizat sa nu fie sigur, respingerea lui Koch de toata aceasta favoare curte reflecta atitudinea extrem de independenta a pictorilor de post-renastere din Germania care au schimbat salariile mari – si aroganta asociata – pentru umilinta, integritate artistica si, inevitabil, saracia. Potrivit lui Batschmann,

Al treilea exemplu este un pictor american, din Boston, John Single Copley. Intrucat parintii lui Copley erau comercianti, iar femeile – mama lui detinea un magazin de tutun – ideea de a picta pentru bani nu ar fi fost departe de mintea lui Copley. Pregatirea lui Copley la Boston este o problema de speculatie, dar se pare ca a fost autodidacta. In cele din urma, Copley a fost sa-si scuture handicapurile si sa se ridice prin prosperitate, munca asidua si noroc la statutul de membru cu drepturi depline al Academiei Regale din Anglia, incurajat de presedintele sau si de un alt pictor de istorie american, Benjamin West. Copley a prezentat o serie de tablouri la Academia Regala pentru expozitie, dar a obtinut succes cu tabloul monumental Watson si Rechinul, reprezentand un accident teribil in Havana in 1749 – vezi mai jos. Acest tur de forta il priveste pe clientul lui Copley, Brook Watson, care era partener de afaceri al cumnatului Copley, Jonathan Clark. Watson a pierdut un picior rechinului la varsta de paisprezece ani, dar si-a pastrat viata din cauza salvarii, scena pe care o picteaza Copley. Interesant este ca niciodata nu obtinem un adevarat autoportret de la Copley, cu atat mai putin sa facem o privire in studioul sau ocupat. Portretul sau mare cu familia lui Boston arunca putina viata metodelor si atitudinii sale fata de arta. Pozitionat in spatele rudelor sale, artistul imbraca un grup de desene, o referire la profesia sa artistica; de asemenea, el sta in fata Vase Medici, poate o aluzie la cunoastere si Grand Tour. Peisajul retroiluminat artificial este tipic numeroaselor fundaluri pe care le-ar fi folosit pentru a picta portrete la moda ale celor bogati din societate, iar acest tip de portret ar fi gasit un loc pe piata portretelor la sfarsitul secolului al XVIII-lea. Acest elegant portret de grup poate fi comparat cu singurul alt autoportret al lui Copley. Aici, personalitatea sa se retrage in sine in timp ce prezinta privitorilor suprafetele stralucitoare ale artei sale. Daca ne-ar fi permis sa ne aventuram in studioul lui Copley, probabil ca ne-am fi gasit inconjurati de mobilier elegant admirat de un pictor fin imbracat care supravegheaza obiecte pretioase obtinute de peste mari. Studioul lui Copley reflecta mediul sau – lumea banilor, suprafetele sociale stralucitoare si expansiunea coloniala. iar acest tip de portret ar fi gasit un loc pe piata portretelor la sfarsitul secolului al XVIII-lea. Acest elegant portret de grup poate fi comparat cu singurul alt autoportret al lui Copley. Aici, personalitatea sa se retrage in sine in timp ce prezinta privitorilor suprafetele stralucitoare ale artei sale. Daca ne-ar fi permis sa ne aventuram in studioul lui Copley, probabil ca ne-am fi gasit inconjurati de mobilier elegant admirat de un pictor fin imbracat care supravegheaza obiecte pretioase obtinute de peste mari. Studioul lui Copley reflecta mediul sau – lumea banilor, suprafetele sociale stralucitoare si expansiunea coloniala. iar acest tip de portret ar fi gasit un loc pe piata portretelor la sfarsitul secolului al XVIII-lea. Acest elegant portret de grup poate fi comparat cu singurul alt autoportret al lui Copley. Aici, personalitatea sa se retrage in sine in timp ce prezinta privitorilor suprafetele stralucitoare ale artei sale. Daca ne-ar fi permis sa ne aventuram in studioul lui Copley, probabil ca ne-am fi gasit inconjurati de mobilier elegant admirat de un pictor fin imbracat care supravegheaza obiecte pretioase obtinute de peste mari. Studioul lui Copley reflecta mediul sau – lumea banilor, suprafetele sociale stralucitoare si expansiunea coloniala. Daca ne-ar fi permis sa ne aventuram in studioul lui Copley, probabil ca ne-am fi gasit inconjurati de mobilier elegant admirat de un pictor fin imbracat care supravegheaza obiecte pretioase obtinute de peste mari. Studioul lui Copley reflecta mediul sau – lumea banilor, suprafetele sociale stralucitoare si expansiunea coloniala. Daca ne-ar fi permis sa ne aventuram in studioul lui Copley, probabil ca ne-am fi gasit inconjurati de mobilier elegant admirat de un pictor fin imbracat care supravegheaza obiecte pretioase obtinute de peste mari. Studioul lui Copley reflecta mediul sau – lumea banilor, suprafetele sociale stralucitoare si expansiunea coloniala.

Celalalt gen principal al lui Copley a fost pictura de istorie, in special lucrari care comemorau evenimente actuale precum infrangerea trupelor franceze la St Helier, Jersey, la 22 mai 1781. Un tanar ofiter britanic galant, Francis Pierson, cu varsta mai mica de douazeci si patru de ani, a avut a rezistat francezilor si in cele din urma i-a alungat, desi si-a pierdut viata in lupta. Pictura prezinta portretele unor ofiteri ai Regimentului 95 din Militia Jersey din prag, si a unui servitor negru al Piersonului cazut, razbunandu-si moartea. Aceasta compozitie a evoluat din 17 desene pregatitoare si o schita in ulei, toate unite cu pictura finalizata in 1996 [6]. Desi Copley Moartea maiorului Piersondin 1782-4 a fost un succes artistic, a avut nevoie de amploare de afaceri pentru a face o satisfactie financiara. Pentru a realiza acest lucru, Copley a format un parteneriat cu John Boydell, dealer in gravuri, care i-a platit pictorului suma de 800 de lire sterline pentru comision si a continuat sa arate lucrarea in propriul sau magazin Cheapside dupa inchiderea expozitiei oficiale. Abonamentele vor fi deschise si pentru imprimeuri ale tabloului, desi secretarul Copley nu a inregistrat relatiile sale cu Boydell. [7] Acest tip de activitate comerciala ar fi fost incruntata la Royal Academy si la fondatorul sau Joshua Reynolds, care au ales sa ignore faptul ca faima nu a platit chiria. Lucrurile nu au fost imbunatatite prin viziunea consacrata ca pictorii erau „mecanici” pentru ca isi foloseau mainile si, prin urmare, nu ar putea fi niciodata intelectuali. Aceasta idee a fost opusa de o serie de teoreticieni care credeau ca pictorii erau capabili de discurs intelectual si astfel teoria a devenit o parte integranta a invataturii istorice a artei, ilustrata literalmente de alegoria lui Reynold „Teoria” de pe tavanul Academiei Regale. Copley a fost cu siguranta in aceasta dezbatere, iar scrisorile sale vorbesc ocazional despre „imbunatatiri” care trebuie luate atat la nivel comercial, cat si la nivel academic. Acest lucru este semnificativ, deoarece Copley credea ca arta ar trebui sa se refere la subiectul comertului, oricum indirect, o atitudine complet diferita de Academia Regala. Nu ca Copley trebuia sa-si faca griji pentru acest scor: el se casatorise cu bogata Susanna Farnham Clark si a inceput sa achizitioneze proprietati pe Beacon Hill, unul dintre cele mai bogate districte din Boston. Cu expozitiile sale temporare, controlate de patroni instariti precum Boydell, i s-a asigurat o linie bogata in afara sistemului expozitional principal. John Singleton Copley a avut toate capturile succesului; s-a imbracat ca un dandy si a adunat linistit o avere ca portretist, in timp ce a luiMoartea majorului Pierson si a lui Watson si a rechinului l-au marcat ca o vedeta in ascensiune in firmamentul artistic al Marii Britanii din secolul al XVIII-lea, in ciuda sprancenelor ridicate ale RA la metoda lui de promovare. In acest caz, vasul de cersit al lui Pittura nu era necesar, deoarece dulapul din atelierul artistului era plin, afacerea in plina expansiune si Pittura s-au transformat in Profit.

[1] A se vedea „Ho Fatto Spiritar Roma” de Xavier F. Salomon: Salvator Rosa si expozitii din secolul al XVII-lea in Salvator Rosa , fosta pisica, Dulwich, 2010, 74-99, 75.

[2] „Ho Fatto Spiritar Roma” al lui Xavier F. Salomon, 75.

[3] Oskar Batschmann, Artistul in lumea moderna , Koln, 1997, 24-5.

[4] Batschmann, Artistul in lumea moderna , 63.

[5] Versiunea lui Paolo di Matteis in Ashmoleon a fost comandata de Lordul Shaftesbury in 1712.

[6] John Singleton Copley in Anglia , ex. cat., Emily Ballew Neff si William L. Pressly, Washington si Houston, 1995.

[7] Batschmann, Artistul in lumea moderna , 34 de ani.